Прудий Сергей, Аранжировщик, музыкант.

-Что из себя представляет электронная музыка в контексте сведения?

-Вообще, 80-90 процентов качество всей работы целиком определяет аранжировка, это что касается именно электронной музыки. Выбор того, из чего состоит композиция – важнейший этап. Выбор семплов или синтезаторов – это ключевой момент в создании электронного трека и его сведении соответственно.

-В использовании семплов, отдаёте предпочтение существующим библиотекам или пишете сами?

-Тут однозначного ответа нет: кроме готовых библиотек (а в моей коллекции их достаточно много) я пользуюсь ещё и рекордером – это дело вкуса. Я всё больше убеждаюсь в том, что вкус музыкальный нужно развивать – это и есть простор для предпочтений и выбора. Например, я нашел бочку, которая мне нравится, но в ней чего-то не хватает: высоких частот или атаки. Как бы мыслил звукорежиссер? Он взял бы эквалайзер для компенсации частот, либо шейпер, чтобы подчеркнуть атаку, и постарался бы исправить звучание исходного материала, но это будет звучать не совсем хорошо. Поэтому, если мне, допустим, не хватает высоких частот в бочке, я беру, например, хэт и «подмешаю» его. Если мне не хватает атаки, есть очень хороший способ: взять снейр и вырезать буквально несколько миллисекунд, чтобы получился «сухой» щелчок, потом «подмешать» к бас-бочке, это добавит ей атаки. Компенсировать таким образом составляющие семпла, не затрагивая обработку. Это будет звучать гораздо музыкальнее. То есть, основная идея – не затрагивать обработку исходного материала, подобрать его максимально готовым.
 -Что касается синтезаторов, какие критерии важны?

-Всё полностью определяет творческая идея. Как и с семплами. Невозможно сказать однозначно: здесь у меня будут использованы семплы, а здесь синтезаторы. И то, и другое – инструменты, удовлетворяющие творческую идею. Что именно, где и каким звуком диктует именно идея, наполненная смыслом. Например, в композиции есть вокал с текстом о городах и это заполняется шумами города, атмосферными звуками, которые погружают слушателя в ту или иную среду. Или идея будущего с роботами и машинами, наполняющая трек синтезированными звуками. На этапе сведения электронного трека любой элемент может быть удален, перезаписан, добавлен новый, если того требуют творческие задачи. Это касается не только электронной музыки: во время сведения я мыслю больше как аранжировщик. 

-Процессинг – это технический момент или больше художественный?

-Это очень сильно зависит от самой композиции. Например, музыка звучит будто за стеной, «ватно», возможно, того требует художественная мысль в треке, а может быть и нет. Условно эффекты стоит делить на те, что подчеркивают идею автора и те, что несут в себе больше технический характер. Два разных подхода к эквализации и технический и художественный необходимы в своё время. В первую очередь необходимо устранить, например, резонансы, а потом использовать какие-то эквалайзеры, который делают звук «теплым», наполненным, «красят» его. Я стараюсь больше уделять внимания оттенкам. Если я делаю атмосферную музыку в стиле ambient, то стараюсь сделать оттенки «тёмными», более отдаленные от реальности, убирая высокие частоты. А если делаю коммерческий трек, то мне хочется «открытого», «чистого», «откровенного» звука

-Ambient, атмосферная музыка не может быть коммерческой?

-Как правило – нет. Говоря о России, есть определенная стандартизация коммерческой музыки. Во время сведения важно иметь представление о том, что это за музыка, да и вообще ясно видеть свои цели при создании музыки, и понимать, какие нужны инструменты для реализации этих целей. В работе со звуком художественную сторону процессинга я ставлю на первый план перед техническими обработками. Такой подход способствует передаче эмоции, задумки автора.

-Какие различия компрессии в техническом и художественном процессинге?

-Классический способ использования компрессора – это управление динамическим диапазоном. «Подрезать» пики, скачки в тех или иных элементах например в лупах ударных, просто уравнять. Или нью-йоркская компрессия, очень часто используется, когда нужно наоборот, «накачать» звук, чтобы «хвосты» стали более явными. Суть в том, что компрессия очень сильная, и этот «пережатый» сигнал подмешивается в исходный. Это уже более художественный метод применения компрессора. Наверно, самый, как считается, креативный метод его использования в электронной музыке – это сайд чейн, когда сигнал бочки управляет компрессором, который обрабатывает синтезатор. Для себя я нашел интересный прием: сайд чейн компрессию использовать для обработки реверберации вокала, когда компрессором управляет «сухой» сигнал вокала и обрабатывается реверберация. Получается так: когда звучит вокал, реверберация «сжимается», а когда вокал замолкает, реверберация «расширяется», поэтому можно использовать большие пространства – вокал остается читаемым. Звучит это довольно неестественно, но эффектно, и в некоторых случаях это может очень пригодиться.

-Что собой представляет пространственная обработка в электронной музыке?

-Прежде всего, стоит понимать, что электронная музыка – мультипространственная музыка. Тут можно использовать множество различных видов реверберации, и их плюс заключается в том, чтобы, используя большое количество пространственных обработок, добиться уникального пространства для композиции. Большое количество различных комнат: больших, маленьких, средних – если получается всё удачно скомбинировать, то, в целом, это производит отличное впечатление. Каждый инструмент находится в своем уникальном пространстве, но все эти пространства связаны между собой. А иногда случается и так, что этот подход вовсе не обязателен. Вообще, пространство в электронной музыке играет очень большую роль, потому что сами по себе «сухие» электронные звуки звучат не очень хорошо, иногда даже слух неприятно. Добиться хороших результатов можно, используя обработку реверберацией, или какими-то другими задержками. По поводу любых искажений во время процессинга я хочу сказать одно: чем их больше (но использованных с умом!), тем лучше.

-Что можно сделать в процессе мастеринга в электронной музыке?

-Мастеринг – это устранение ошибок на этапе сведения и повышения общего уровня громкости. Я бы мастерингу выделил третье место, на котором он и стоит после записи и сведения. Процесс мастеринга не способен полноценно исправить ошибки, допущенные на ранних этапах. Если трек плохой, с этим ничего не поделать. Даже самые лучшие аналоговые компрессоры, эквалайзеры уже не помогут. Но этап мастеринга - это тоже творческий этап. Хочется сделать трек «шире», «ярче», почему бы и нет? Даже пространственная обработка здесь имеет место быть. Вообще, мне кажекажутся предрассудками жёсткие ограничения, как делать можно, а как - нельзя. В сведении электронной музыки нет конкретных правил, всё завит от художественного замысла.